在获得了奥斯卡最佳导演奖等多项殊荣后，李安导演开始转型。
作为行业内的佼佼者，李安早已功成名就。对他而言，简单的重复和模仿已经不能满足其对电影的高标准要求，如何突破自己，并且开创一种更新的创作方式，才是他急需考虑的问题。
所以，在《比利林恩的中场战事》并不成功后，李安依然接手《双子杀手》这个项目。
从感官上来说，《双子杀手》做的还算不错。

电影主要围绕着威尔·史密斯饰演的美国国防情报局特工亨利展开。身为DIA最出色的狙击手和老前辈，亨利已经顺利完成了多达几十次的刺杀任务。长期的职业熏陶，让他养成了多做事、少说话的习惯。然而，在退休前最后一次执行任务时，亨利突然发现自己很有可能出现判断失误，他袭击的目标并不像表面那么简单，极有可能是一场精心策划的阴谋。
对于一部投资1.3亿美元的商业大片，为了收回成本，必须做出一些必要的妥协。所以电影走的依然是主流商业大片的创作模式。悬疑+动作+高科技，让影片看起来亮点纷呈。尤其是片中大量的飞车追逐和动作场面，在李安的调度下，高潮不断。身为一位成功且有追求的导演，李安也想尽办法平衡影片的文戏，重点刻画人物的性格和内心世界，使电影不至于沦落成为纯粹的动作爽片。


为了充分照顾普通观众，李安舍弃了更多个性的表达，在做到接地气的同时，尽可能把一个故事讲的通俗易懂。
电影用当今最顶尖的特效水平，将威尔·史密斯返老还童，中青年两个史皇对打，带来很不平常的观影体验。配合真3D和大场面加持，使得整个观影过程既紧张又充满悬念。
然而，糟糕的剧本最终葬送了李安的坚持，让影片在还可以的基础上并没有更进一步。过多的硬伤和太过突兀的情感转换，使得观众很难培养出对角色深厚的感情。特效制造一个年轻版的威尔·史密斯固然噱头十足，却并没有在人性刻画方面起到很好的促进作用，变成为炫技而刻意为之。

实际上，影片在选择这个题材后就很难取得更大的突破。
作为标准的商业大片，电影延续着是什么、为什么、怎么办的经典三段式套路。
第一阶段陈述事实，亨利完成使命，但却被追杀，他不得不逃亡。
第二阶段提出疑惑，亨利为什么被追杀，背后的原因和动机又是怎么回事？
第三阶段解决问题，电影对所有的问题都给出了一个比较满意的答案，并且通过亨利的不懈坚持和战斗，让影片所有角色都有了一个很好的归宿。

以最后呈现的效果来看，影片努力了。在每一段叙事过程中，它都想方设法调动角色的个人魅力，让每个角色在自己的能力范围之内尽情闪光，从而使人物变得更加饱满。
但是，过度的商业妥协，牺牲了角色的创造性，尤其是对于青年亨利的塑造，实在是太过于平庸。
相比于中年亨利，青年期的他有着更大拓展空间。虽然是作为主体的克隆，从出生起就注定这个人物悲剧的一生。然而，对于创作者来说，越是残酷的成长环境，越容易让人物性格变得复杂而立体。影片展现了青年亨利的彷徨和痛苦，以及面对养育自己父亲时的矛盾心理，但过于脸谱化的处理让这个人物始终处于情感的最表层，他的一言一行都充满着刻意和精心设计，很难带给观众更大的触动。

一直以来，李安导演最擅长的就是角色内心情感的表达。从台湾时期《推手》《喜宴》《饮食男女》等一大批反应中国传统和新旧观念冲突的影片开始，李安就特别喜欢探讨大环境和时代背景下人物的状态。这种创作风格，让观众看到了《卧虎藏龙》中李慕白的侠气、俞秀莲的平实和玉娇龙的不羁，也感受到了《理智与情感》中两姐妹对爱情不同的坚持，以及《断背山》那种淡淡的、逐渐渗进心底的痛楚。
李安电影的特点，是对人性最深层次的探讨，以及不同人物的选择和追求。哪怕是技术极为出众的《少年派的奇幻漂流》，李安都尽可能让技术为叙事服务，从而让人性在冲破困难险阻后闪闪发光。而这些东西，《双子杀手》有所涉猎，却没有进行更多的挖掘，使得电影在看似热闹的外表下，缺少让人眼前一亮的东西。

如果说《比利林恩的中场战事》是李安导演对电影技术革命的一次创新，那么《双子杀手》则可以认为是他不认命的一种坚持。
长期以来，电影界都习惯每秒24帧画面的经典拍摄模式，虽然后面也有彼得杰克逊等技术狂人尝试用更高帧突破这种极限，但最后往往是雷声大雨点小。究其原因，主要是大众早已经习惯现有的观影方式，而60帧甚至120帧，除了让画面更清晰、更流畅外，实际对观影过程不会带来革命性的改变。同时，这种新技术对电影院设备的要求比之常规配置又高很多，最终造成追求高帧画面成为一种吃力不讨好的行为。

随着《比利林恩的中场战事》和《双子杀手》两部影片票房遇冷，口碑也不甚理想，李安又来到事业的十字路口。下一步，不管他是将技术创新道路坚持到底还是选择重新回归温情，观众都应该给予足够的理解和包容。毕竟，曾经的李安带给我们那么多美好的瞬间，光凭这点他就应该值得所有观众铭记。